原画设计创作经验的积累涉及到方方面面，原画设计及所有艺术形式的技能提升都离不开积累。它是一个循序渐进的过程，其中包含着与之相关的点点滴滴，只有日积月累，才能愈发成熟和纯粹，积累似甘醴，年代越久就越浓郁。那么，如何积累呢？积累什么呢？
如今原画设计主要依托电脑软件进行，那么积累就可分为两方面：一是原画设计相关艺术素养的积累，还有一方面是软件运用技巧的积累。
软件运用是一个按部就班的操作程序，一款新的笔刷，一个调色工具，在运用得当时，都可以弥补画面中的不足，从而遮掩一些艺术修为上的缺陷。原画设计方面的软件运用与3D美术类有一定的差别，软件对于原画设计的帮衬相对少一些，技术上也较局限。在工具使用方面可以通过积累愈加熟练，以致精通。包括软件间的协作或者功能上的灵活处理等，这些都稍偏机械性，所以在软件研究上无需倾注过多的心思，只要掌握特性和主要功能即可，因为在平时的创作中可以做到熟能生巧。
此处重点谈及的是艺术修养方面的积累。游戏美术的艺术修养一者来自绘画本身，另外则是与游戏性契合的部分。作为绘画类的艺术修养是从无到有、从低到高的，其中的潜移默化不言而喻。绘画学习的启蒙期，从接触简单的素描开始，由懵懵懂懂到略知一二，其实就开始了艺术修养的积累历程。艺术修养从高处着眼，关乎境界和情感，从基础入手，便是掌握一些有关创作的规律法则，以及表现手段，运用审美能力和敏锐嗅觉进行选材、组合、创造等等。
首先说创作方面的规律，原画创作并非主要依赖于灵感和心态，这些只是创作的催化剂而已，不是根本起因，也不能完全裁定最终结果。原画设计与其他所有事物一样，都有自身的生息规律，甚至可以用类似数学公式的方法去套用合成，虽然运用此类较为生硬的逻辑思维方式去实现原画设计无法达到艺术上的超脱和攀升，但是对于工艺美术而言，某些情况下，也足以满足需求。就像画面构图，就有定律可循，比如过多平行、三点交叉、完全均等、布局太满、闲余太多等都属于构图的禁忌要素，可以用这些定律去检验画面构图是否合理。还有就是掌握构图的基本规则，如黄金分割、疏密有致、奇数构成等都是俗成的要诀，用这些即成的规则去构图布局，再用构图的禁忌要素去检验修正，就可生成一幅常规可行的构图了。
造型结构也是如此，它属于构图之后的下一步艺术工程，主要体现整体设计感觉，造型搭建与构图类似，也有一些固定规律。基础造型需从稳定性的考量开始，对应的就是类似三角形或梯形的造型法则，上小下大，四平八稳，在原画设计上能熟练掌握运用此类方法，也就预示着造型方面已经入门了。举例说明一下这种方法，如手持武器的角色形象，若双腿如拦路虎般的左右分开，整体形成的就是上小下大的三角造型，或者在主建筑左右附加耳房也可以造就一个类似梯形的整体轮廓，此类造型方法虽偏通俗，但也属于必须掌握的基础课，务必先理解，再熟悉运用。其次是对称的造型方法，因为生物体型普遍都趋于对称，“花鸟虫鱼”等，皆可见证，所以建筑也遵循了对称的造型习惯，“对称美”通行于古今中外各类事物。每种造型方法都有匹配的对象，对称的造型方法基本只适应生物或人造事物，对于其他类别，可加慢慢揣摩，挖掘出共性。之后便是变中求稳的造型方法，其要诀是在造型设计时把握好重心和支点，给予丰富设计感的同时保证事物的稳定性，重心的均衡完全是视觉感受，这需要在创作时用感觉去调节画面的分量，架起艺术审视的天平，此类造型方法千变万化，但是万变不离其宗，若至此，造型能力也将登堂入室了。可以看出，造型能力也是需要积累的，掌握的规则多了，在运用之时自然可以信手拈来。
构图和造型都有规律可循，色彩同样也是如此。从色环上可以看出，距离越近的颜色之间过渡也越柔和，因为色环本身就是一个渐变的过程，色彩的基础练习也需从了解和运用渐变开始。色环上的颜色可分为冷区和暖区，最有代表性的就是红暖与蓝冷，掌握了颜色的冷暖规律，就能在配色方面找到一个大概的方向，也就是白天偏暖、夜间偏冷，夏季偏暖、冬季偏冷，受光面偏暖、背光则偏冷等等诸如此类阴阳两极的概念，在颜色运用时可以一一去对应。色环上的颜色也可以与时钟的二十四个时区匹配，以此类推至少可以找出画面的大基调，比如清晨走黄绿色调，而黄昏则采用蓝紫色调，这种按图索骥的方法有利于增进对色彩感情的理解。另外物体本身都具备其固有色，固有色就是对于物体来说最具代表性的颜色，比如用棕黄色代表皮革，土黄代表土地，鲜红代表旗帜或血液，蓝色代表苍冥或幽魂之类，正是因为如此，才会有“象牙白”、“新米黄”、“宝石绿”这样的色彩名词出现。找出事物的固有色，再运用色环中相近的颜色加以调和，去过渡造型结构上的素描关系，也可以做到对事物有一个大概的描述，色彩运用基础也是从这个规则开始的。还有就是颜色间的搭配，也能做到有据可循，比如红与黄的调和可以做出火焰、金属、旌旗、岩浆之类的效果，而绿与蓝能结合描绘出草地，远山、灌木、森林等，此类表现都是从事物的固有色中提炼颜色进行搭配组合，之后再用其他辅色加以衬托成型。从这些规律可以看出，色彩相对而言属于另外一门学科，黑白和彩色也各自反映着不同的感情世界，但是仍脱离不了艺术的大范畴，可归于一统。不过时代在变，每个时期都赋予相同的色彩以不同的含义，代表性也越来越广，色彩需具备时代感，才能与艺术规律相互结合，去构成画面。以上的色彩规律与结构造型等类似，仅可作为艺术世界的敲门石，真正的乾坤万象在之后的演变和升华中。
以上包含了原画设计相关的构图、造型、色彩三大块的一些入门方法和规则，虽然大部分都客观存在，但是对艺术的认知毕竟因人而异，只要不脱离正统的审美范畴，目的清晰，结果相近，都要敢于尝试，开拓出更广阔的艺术天地。
再说说关于审美能力的积累，审美概念可繁可简，简单的理解仅仅涉及到个人喜好与情趣而已，审美标准因文化或认知的不同而千差万别。艺术化审美则涵盖更广的内容，虽然同样略偏主观，但是属于专业化的鉴赏范畴，专业化的审美必须身体力行，可谓“不入虎穴，焉得虎子”。对于艺术来说，不存在单一或职业化的鉴赏，只有具备一定的艺术修养才能对审美有所建树，而且审美能力的高低也直接对应着艺术修为的深浅。所谓“眼高手低”，在艺术行为中是普遍存在的，眼界直接指引着创作的意图和方向，两者之间于一前一后、相互牵引。艺术素养就像脚下的台阶，实实在在，而审美却是周边的视野，若需看得更高更远，只能凭借脚踏实地的一步步攀爬。所以，原画设计审美能力的提升主要仰仗自身技能的增长，除此之外，妄谈艺术都如同海市蜃楼，无法落到实处。在逐步积累中，于不同的时期对同样的作品都会有新的见解，而且可以从高处和深处着眼，将艺术事物剖析得更加淋漓尽致。
“跃然纸上”是美术，“入木三分”才是艺术。原画设计各方面的积累就像从记叙文到议论文，再到散文最终演变到诗歌的过程，以上的一些法则和规律属于前者，之后则牵涉更多有关境界和修养的因素才能趋于圆满，但也可从中慢慢积累，细细品味，一步一个脚印，始终可以迈入真正的艺术殿堂。
